UNIVERSIDAD TECNOLOGICA EQUINOCCIAL
FACULTAD DE ARQUITECTURA, ARTES Y DISEÑO
HISTORIA DEL ARTE II
Nombre: Michael GarcíaCurso: Segundo Nivel B
Fecha: 2014 - 11 - 19
Msc. Sabina Paredes
Obras y personjaes destacados del renacimiento
Brunelleschi Filippo
Biografía
Nació
el 15 de abril de 1377 en Florencia,
donde recibió formación como orfebre.
En
el año 1401 participó en el concurso para el diseño de las puertas de bronce del baptisterio de su ciudad, pero no
resultó elegido. Conoce a Donatello,
de quien llegó a ser amigo íntimo y al que debe su afición a la escultura y con
el que viaja a Roma, donde estudia los monumentos de la Antigüedad clásica.
Posteriormente,
se dedica a la arquitectura, y
en 1418 recibió el encargo de construir la cúpula inacabada delDuomo,
la catedral gótica de Florencia. Su proyecto consistía en la superposición de
dos bóvedas esquifadas octogonales, una dentro de otra. Gracias a esta
disposición, los esfuerzos quedaban repartidos junto con una ligereza
excepcional, y se convirtió en el modelo constructivo de cúpula durante varios
siglos. Su estructura inicial contaba con ocho nervios que sirven de apoyo para
el resto de los elementos decorativos.
Desarrolló
otros edificios florentinos, como la iglesia de San Lorenzo (1418-1428) y el Hospital de los Inocentes (1421-1455). Al final de su carrera,
proyecta edificios como la inacabada iglesia de Santa María degliAngeli (comenzada en 1434), la basílica del Santo Spirito (comenzada en 1436) y la
Capilla Pazzi (comenzada en
1441).
El
llamado padre del Renacimiento, falleció en Florencia el 16 de abril de 1446.
Duomo
La Basílica
de San Lorenzo es una basílica italiana de culto católico
de la ciudad de Florencia, ubicada en la Plaza de San Lorenzo. Su construcción fue encargada por Cosme de Médici al arquitecto Filippo Brunelleschi quien trabajo en su construcción desde 1422 hasta 1470, fecha en la que asumió su construcción Antonio Manetti; debido a la muerte del anterior.
ANALISIS
Está inspirada en la Basílica de la Santa Cruz que es una iglesia gótica. Está dividida en
tres naves y capillas laterales. En el centro del crucero hay una
cúpula y este está rodeado por capillas. Frente al centro del crucero ya que
esta es la capilla mayor.
Su planta es de cruz latina con tres naves y capillas
laterales, casi basilical, extremadamente longitudinal, en cuyo crucero, de
desarrollo escaso, se dispuso una cúpula con linterna. El espacio quedó matemática y
geométricamente modulado por el círculo inscrito en un cuadrado, que actuó como
medida de las proporciones con referencia siempre a la figura humana. Se
emplearon elementos arquitectónicos muy armoniosos, que citan el mundo clásico
a través de la influencia de las primitivas basílicas cristianas, como, por
ejemplo, la techumbre de artesonado con casetones cuadrados en la nave central, el entablamento corrido y los ricos capiteles corintios sobre columnas monolíticas en esa
nave central y sobre pilastras en las laterales. Brunelleschi empleó un ritmo arquitectónico peculiar en la
nave central que se inicia en la columna como soporte, un trozo de entablamento
decorado sobre el capitel compuesto y el arco acanalado encima de él. Utilizó bóvedas vaídas en las naves laterales. Este arquitecto
jugó además con la alternancia del colorido para lograr el dicromatismo propio
de la arquitectura tradicional florentina. El módulo es el
cuadrado central que inscribe la cúpula y es igual en medida al de la capilla
central. Cada tramo de la nave central es la mitad del módulo y un cuarto de
módulo cada tramo de la nave lateral.
En altura, la protagonista es la columna, así la
altura de la nave central es el doble de su ancho. En relación con las
laterales, en anchura y altura son iguales. La relación de altura entre los
arcos que comunican la nave lateral con las capillas laterales tiene una
relación de 5/3.
La luz proviene de las ventanas. Las bóvedas son
vaídas en la nave lateral y los óculos hacen que la luz aparezca más tenue. Las
capillas son oscuras. En conclusión, la gradación luminosa acentúa la
perspectiva.
El techo tiene casetones copiados del Panteón de Agripa. Pero también hay otros muchos elementos clásicos
como las pilastras, arcos, etc. También utiliza el dicromatismo.
HOSPITAL DE LOS INOCENTES
fue un orfanato de niños de Florencia, diseñado
por Filippo Brunelleschi,quien recibió el
encargo en 1419. Está
considerado un notable ejemplo de la arquitectura del primer renacimiento
italiano. El hospital, con una galería frente a la Plaza de la Santísima
Anunciara, fue construido y dirigido por el "Arte de la Seta" o
Gremio de la Seda de Florencia. Este gremio era uno de los más ricos de la
ciudad y como la mayor parte de las cofradías, asumía obligaciones
filantrópicas.
ANALISIS
El diseño de Brunelleschi se basó tanto en la arquitectura de la Antigua Roma como en la arquitectura gótica tardía. La galería o logia era un tipo de construcción bien conocido,
como la LoggiadeiLanzi. Pero el uso de columnas redondas con capiteles de corrección clásica, en este caso de orden
compuesto era una novedad, lo mismo que los arcos
circulares y las cúpulas esféricas tras ellas. Los elementos arquitectónicos
estaban articulados en piedra gris que destaca contra el blanco de las paredes.
Este motivo se llegó a conocer como pietra
serena que significa piedra oscura. También era novedad la lógica
proporcional. La altura de las columnas, por ejemplo, no es arbitraria; si se
traza una línea horizontal a lo largo de lo alto de las columnas, se crea un
cuadrado con la altura de la columna y la distancia de una columna a la siguiente.
Esta ansia de regularidad y orden geométrico se convertiría en un importante
elemento en la arquitectura renacentista.
En el extremo izquierdo del pórtico está la ruota, un torno de piedra para meter al niño en el edificio sin
que se viera al padre. Esto permitía a la gente abandonar a sus hijos
anónimamente, para que fueran cuidados en el orfanato. Este sistema siguió
funcionando hasta el cierre del hospital en 1875. Hoy el edificio aloja un pequeño museo de arte renacentista
LEON BATTISTA ALBERTI (1404-1472)
(Quattrocento)
Biografía
El italiano LeonBattista Alberti
fue, además de arquitecto, el primer teórico del arte del renacimiento.
Nació en Génova el 14 de febrero
de 1404. Era hijo de Lorenzo Alberti, miembro de una rica familia de
comerciantes y banqueros. Recibió una esmerada formación en la escuela de
Barsizia (Padua) y en la Universidad de Bolonia. Estudió griego, matemáticas,
ciencias físicas, filosofía, música, pintura y escultura.
Tras la muerte de su padre en
1421, sufrió problemas de tipo económico debido a las diferencias con su
familia. Por ello, decidió comenzar la carrera eclesiástica. En 1432, se
trasladó a Roma. Allí fue nombrado secretario del papa Eugenio IV y aprovechó
la estancia para estudiar los monumentos de la Antigüedad clásica.
En 1434 se incorporó a corte
papal establecida en Florencia. Se introdujo en los ambientes humanísticos y
culturales de la ciudad y entabló amistad con algunos artistas del momento como
Brunelleschi, Donatello y Masaccio.
Alberti comenzó a trabajar como
arquitecto alrededor del año 1430. Sus primeras obras las realizó para la
familia Rucellai en Florencia. Sus edificios están considerados como los
ejemplos más sobresalientes de la arquitectura renacentista.
Destaca más su actividad como
teórico que como constructor, ya que proyectaba todos los elementos al detalle,
pero nunca participaba en la construcción de sus edificios.
Obras
Fachada de la iglesia de Santa
María Novella
Realizada en mármol, y
considerada una obra insignia del renacimiento florentino. Alberti es
contratado por la familia Rucellai para finalizar el diseño y
construcción de esta fachada lo cual logra en el año de 1456. Tuvo que realizar
un estudio detallado sobre el estilo gótico usado por sus predecesores quienes
ya habían construido la mayor parte de la misma para de esa forma lograr
combinar los estilos usados de forma armónica mediante el uso del mármol blanco
y verde como material predominante. Se encargó del diseño de la puerta, frisos
y también participó de la parte estructural. Como elementos del diseño destaca
el uso del arco de medio punto, frontón clásico y uso de formas simples que a
su parecer incitaban a la reflexión religiosa.
Fachada del Palacio de la
familia Rucellai
Obra de la cual se hace cargo en el año de 1447, se encuentra basada en el opus reticulatum romano, su fachada es plana y regular. Constituido por el uso de planos los cuales están divididos por cornizas. Posee decoración exquisita con elementos y símbolos pertenecientes a la familia propietaria como son plumas, velas y anillos. En su primer nivel destaca el orden jónico diferenciándose del superior en el cual decidió optar por el corinto lo cual se ha relacionado por varios autores con el Coliseo Romano. Los materiales predominantes son la piedra y el uso de mampostería de arenisca.
DONATO BRAMANTE
Nació
en el año 1444 en Monte Andruvaldo, cerca de Urbino.
Su padre le inició en el arte de la pintura y del dibujo, mostrando muy pronto una gran predilección por los estudios de perspectivas y del dibujo arquitectónico, conservándose de su obra más temprana los frescos de la fachada del Palacio del Podestà en Bérgamo, realizados en el año 1477.
En 1482 se trasladó a Milán y comienza su carrera como arquitecto. En su proyecto para la iglesia de Santa María presso San Sátiro (1488, Milán) utilizó por primera vez en la arquitectura el trampantojo en las pinturas del presbiterio fingido, que falsea las proporciones de la iglesia. El resto de sus obras en Milán, como el ábside de Santa María delleGrazie (1492-1495), tiene influencia de LeonBattista Alberti y Leonardo da Vinci.
Cuando en 1499 se produjo la caída del duque Ludovico Sforza, huyó a Roma, donde trabajó casi en exclusiva a las órdenes de su nuevo mecenas, el papa Julio II. Una de sus primeras obras romanas es el Tempietto de San Pietro in Montorio (1502), un pequeño templo circular cubierto por una cúpula semiesférica. La reconstrucción de la basílica de San Pedro y el plan para los palacios del Vaticano, serían los proyectos que ocuparían el resto de su vida.
Donato Bramante falleció en Roma el 11 de marzo de 1514.
Su padre le inició en el arte de la pintura y del dibujo, mostrando muy pronto una gran predilección por los estudios de perspectivas y del dibujo arquitectónico, conservándose de su obra más temprana los frescos de la fachada del Palacio del Podestà en Bérgamo, realizados en el año 1477.
En 1482 se trasladó a Milán y comienza su carrera como arquitecto. En su proyecto para la iglesia de Santa María presso San Sátiro (1488, Milán) utilizó por primera vez en la arquitectura el trampantojo en las pinturas del presbiterio fingido, que falsea las proporciones de la iglesia. El resto de sus obras en Milán, como el ábside de Santa María delleGrazie (1492-1495), tiene influencia de LeonBattista Alberti y Leonardo da Vinci.
Cuando en 1499 se produjo la caída del duque Ludovico Sforza, huyó a Roma, donde trabajó casi en exclusiva a las órdenes de su nuevo mecenas, el papa Julio II. Una de sus primeras obras romanas es el Tempietto de San Pietro in Montorio (1502), un pequeño templo circular cubierto por una cúpula semiesférica. La reconstrucción de la basílica de San Pedro y el plan para los palacios del Vaticano, serían los proyectos que ocuparían el resto de su vida.
Donato Bramante falleció en Roma el 11 de marzo de 1514.
Santa mariadella pace
Santa Mariadella Pace («Santa
María de la Paz») es una de las iglesias de Roma (Italia), en el rione Ponte, no lejos de la plaza Navona. Es un
templo cardenalicio, que en la actualidad ostenta el Arzobispo de Santiago de Chile. El edificio actual fue
construido sobre los cimientos de una iglesia preexistente, dedicada a
Sant'Andrea de Aquarizariis1 en 1482, encargada por el papa Sixto IV, quien había hecho un voto. La iglesia
fue consagrada a la Virgen María para recordar el milagro de que manara sangre
de una estatua de la Virgen en el año 1480.2 El autor del diseño original se desconoce, aunque se ha
propuesto a BaccioPontelli.
En 1656-1667 el papa Alejandro VII hizo que Pietro da
Cortona restaurase el edificio, y añadió la
famosa fachada barroca proyectándose desde sus alas cóncavas: esto, ideado para
simular un escenario teatral, tiene dos órdenes y tiene una pronaos semicircular con columnas
dóricas pareadas. La iglesia empuja hacia
afuera, casi llenando su pequeña plaza; varias casas tuvieron que demolerse
para que Pietro da Cortona crease incluso este pequeño espacio en miniatura.
El interior, que puede alcanzarse desde
la puerta original del siglo XV, tiene una nave corta con bóveda cruciforme y
una tribuna sobrevolada por una cúpula. Carlo Maderno diseñó el altar mayor (1614) para enmarcar la venerable imagen
de la Virgen y el
Niño.
Rafael comenzó a pintar las cuatro Sibilas recibiendo instrucción
angélica (1514) sobre la entrada con arco, que lleva a una capilla interior,
encargo de AgostinoChigi, el banquero papal.3 La Deposición sobre el altar es obra de CosimoFancelli.
Basílica de San Pedro
La construcción del edificio actual se inició el 18 de abril de 1506. El proyecto fue encargado al arquitecto Donato d'Angelo Bramante, llegado poco antes desde Milán, y que se había ganado la confianza del papa por encima del anterior arquitecto, Giuliano da Sangallo. Incluso se encargó del diseño del Patio del Belvedere. El proyecto consistía en un edificio con planta de cruz griega inscrita en un cuadrado y cubierta por cinco cúpulas, la central de mayor tamaño y apoyada en cuatro grandes pilares, inspirándose en laBasílica de San Marcos, y un claro ejemplo de planta centralizada típica del Renacimiento.15 La cúpula central, inspirada en la del Panteón de Agripa, se situaba sobre el crucero, y las restantes en los ángulos. Esta idea quedó plasmada en una medalla acuñada por Caradosso para conmemorar la colocación de la primera piedra del templo el 18 de abril de 1506. En la construcción de la iglesia también resultó importante la aplicación de los estudios teóricos de Francesco di Giorgio, Filarete y, sobre todo, de Leonardo da Vinci, para iglesias de planta centralizada, cuyos resultados están claramente inspirados en la planta octogonal de la Catedral de Florencia.
Andrea Palladio(1508/11/30 -
1580/08/19)
En 1537, un acontecimiento fortuito cambió su
destino: el literato Gian Giorgio Trissino le encargó la construcción de su
villa en Cricoli, cerca de Vicenza, lo introdujo en los ambientes culturales
más selectos del Véneto y le impuso el nombre de Palladio que significa sabio.
Además, lo llevó consigo en una serie de viajes, en particular a Roma que
permitieron al artista entrar en contacto con la obra de los mejores
arquitectos vivos y estudiar, con una precisión casi arqueológica, los
edificios de la Antigüedad. El conocimiento de estas realizaciones y el estudio
del tratado de Serlio formaron su estilo, absolutamente clasicista, pero muy
innovador al mismo tiempo con respecto a lo que se hacía por entonces.
Combinó
elementos del lenguaje clásico, de acuerdo con las exigencias del emplazamiento
o de las necesidades funcionales de cada edificio y en este sentido se le puede
considerar como un arquitecto manierista. Al mismo tiempo compartió la búsqueda
renacentista de las proporciones armónicas, y sus fachadas se caracterizan por
una excepcional elegancia basada en la sencillez.
El Palacio
de la Razón o Basílica de Vicenza
Planta rectangular
Fachada de dos plantas, el piso
bajo de orden dórico y el piso alto de orden jónico.
Con este edificio se inicia el
“tramo rítmico palladiano”, que consiste en inscribir un arco de medio punto
con dos dinteles laterales apeados sobre columnas.
En
esta obra manifiesta su filiación a la tratadíca de Serlio y su absoluto
dominio del lenguaje clasicista aprendido en sus viajes a Roma. Sin embargo
este lenguaje clasicista, nunca abandonado, desde este primer momento es
utilizado con una absoluta libertad y originalidad autónoma que le separa de
los debates manieristas.
La Rotonda o Villa Capra
En la Rotonda, Palladio armoniza
la naturaleza y el cálculo de proporciones de la villa, con lo que consigue una
auténtica obra maestra que, con sus cuatro elegantes peristilos jónicos de
acceso nos traslada al clasicismo más puro.
La altura y la longitud del
edificio están perfectamente delimitadas por un sistema de proporción que
deriva de Alberti y, en última instancia de Vitrubio.
Esta combinación de cuadrado (la
planta) y círculo (cúpula) es característica del Renacimiento, aunque como
resultado final se obtiene, gracias a los pórticos, la forma de cruz griega. El
conjunto del edificio refleja simetría, perfección, armonía, en definitiva, los
parámetros del Renacimiento.
En la cúpula, se representa la
Religión, la Benignidad, la Moderación y la Castidad, todo esto representado al
lado del Pantocrátor, el cual ocupa en centro de la representación.
Todos los laterales tienen el
mismo esquema por lo cual podemos hablar de una simetría doble.
Además la edificación fue rotada
45º con respecto a los puntos cardinales para que cada estancia tuviera
iluminación apropiada.
Planta con forma de cruz griega
Sin duda, la Villa Rotonda o
Villa Capra se puede considerar como la obra más destacada de la trayectoria
artística del arquitecto Andrea Palladio.
Esta representa el modelo de
construcción típica de la aristocracia del cinquecento renacentista:
·
planta
de cruz griega
·
cuatro
fachadas idénticas
·
no
distinción de puntos cardinales
Precisamente la utilidad
residencial y agrícola de la mansión ha hecho que todavía mantenga un buen
estado de conservación, aunque restaurada por su actual propietario, la familia
Valmarana.
El estilo arquitectónico de
construcción de la Villa Rotonda influyó en general en la arquitectura
neoclásica de los siglos XVIII – XIX, sobretodo y posteriormente en Estados
Unidos, donde muchas casas de gente o clase social adinerada se construyeron de
esa forma o semejantemente, como es el caso de la propia Casa Blanca.
Intentando conseguir la misma
insolación en toda la casa, rotó la planta cuarenta y cinco grados con respecto
a los cuatro puntos cardinales.
Tanto la disposición de la planta
como la vista exterior son totalmente simétricas y muestran una concordancia
perfecta, las cuatro fachadas son iguales, tienen exactamente las mismas
proporciones y recuerdan a los templos de la Antigüedad clásica con una
escalinata y un peristilo jónico.
PINTURA
La pintura posee varios tipos
de composición, como por ejemplo geométrica. Las temáticas que se manejan en
este periodo es el paisaje, el desnudo mitológico, el retrato y la
religiosidad. Mientras en técnicas podemos ver que se hallan los frescos, talla
en madera, Fundición en metal y en óleo. Las pinturas son realistas y maneja la
perspectiva en ellas.
MOSACCIO
El primer gran pintor
del renacimiento italiano. Masaccio, cuyo verdadero nombre era Tommaso Cassai,
nació en San Giovanni Valdarno, cerca de Florencia en 1401. En 1422 pasó a
formar parte del gremio de pintores florentinos. Masaccio estará más influido
por el arquitecto Brunelleschi y por el escultor Donatello, contemporáneos con
los que
comparte una visión
artística renovadora, estableciendo juntos las bases del nuevo lenguaje
renacentista. De Brunelleschi adquiere el conocimiento de la proporción
matemática. De Donatello adopta su conocimiento del arte clásico que le aparta
para siempre del estilo gótico. Masaccio inaugura una nueva aproximación
naturalista en el arte de la pintura, que atiende más a la simplicidad y unidad
de la composición, a la representación del espacio tridimensional que a los
detalles y decoración. La obra de Masaccio ejerció una profunda influencia en
la evolución del arte florentino posterior, en especial en la obra de Miguel
Ángel.
ADORACIÓN DE MAGOS
Se trata de una de
las composiciones más atractivas del conjunto por la cantidad de figuras que se
incluyen, el recurso del paisaje como fondo y la arquitectura del portal donde
encontramos a la Sagrada Familia. Los caballos en diferentes posturas servirán
a autores de posteriores generaciones como Paolo Ucello o Piero de lla
Francesca. Sus figuras gozan de la monumentalidad que acostumbran,
distribuyéndose por el espacio de manera acertada para crear el efecto de
perspectiva. La luz resbala por sus cuerpos y acentúa las tonalidades de los
vestidos, reforzando el incipiente naturalismo que encontramos en la imagen.
Las dos figuras embozadas que forman parte del cortejo podrían tratarse de
retratos por su individualización aunque no están identificados
BAUTISMO A LOS NEÓFITOS
Material: Fresco.Estilo:
Renacimiento Italiano. Está inspirada en los Hechos de
los Apóstoles y narra la
conversión al cristianismo que realizó san Pedro con sus predicaciones,
eligiendo el momento en que los neófitos son bautizados, según el Evangelio
unos 3.000. La escena se
desarrolla
ante un fondo de paisaje; san Pedro ocupa la zona izquierda de la composición
mientras que un joven desnudo se arrodilla en el río para recibir el agua del
bautismo; tras él se ubica otro neófito desnudo que se cubre con los brazos
para sofocar el frío siendo una de las mejores figuras salidas de los pinceles
de Masaccio al transmitir la sensación casi de temblor de manera soberbia. Las
figuras se integran en el espacio con absoluta perfección, creando incluso un
efecto de atmósfera al desdibujar los contornos de los hombres del fondo. La
iluminación empleada resalta el colorido y la volumetría de los personajes,
interesándose el maestro por la anatomía clásica, como vemos en los desnudos.
PAOLO UCCELLO
Pintor renacentista
italiano cuyo verdadero nombre era Paolo di Dono, destacado por sus
innovaciones en el uso de escorzos y de la perspectiva lineal. Nació en
Florencia y recibió su primera formación del artista florentino Lorenzo
Ghiberti. En 1425 marchó a Venecia para diseñar los mosaicos de la fachada de
San Marcos. De nuevo en Florencia, en 1436 pinta el fresco del condottiero inglés
sir John Hawkwood para la catedral de Florencia, donde triunfa su ansia de
volumen y monumentalidad. En torno al año 1444 realiza una serie de vidrieras
para la catedral, una de las cuales, La Resurrección, se conserva todavía en su
lugar originario. También se conservan fragmentos de sus frescos en el claustro
de Santa María Novella, en Florencia, que datan de 1447 y representan la creación
y el diluvio universal. Sus obras más famosas son sin duda las tres versiones
que realiza de la Batalla de San Romano (Uffizi, Florencia; Louvre, París;
NationalGallery, Londres), a fines de la década de 1440. En ellas destaca la
figura monumental del caballo, visto en los más violentos escorzos. Por otro
lado, éstas y otras obras como La cacería (1468, AshmoleanMuseum, Oxford)
reflejan su perfecto dominio de la perspectiva y un cierto sentido decorativo
en sus composiciones.
BATALLLA DE SAN
ROMANO
La utilización de un
tema que en principio parece exigir una representación "naturalista",
como pretexto para una investigación de índole casi abstracta sobre la
naturaleza del espacio, le condujo a la configuración de un mundo forzosamente
extraño por cuanto comportaba el desprecio de los datos sensibles. Lanzas,
cascos, caballos y soldados se disponen sobre la superficie pictórica como
datos previos de una ecuación matemática para cuya resolución se hiciera
necesario reducir a términos fijos un determinado número de variables. Los
caballos adquieren una dureza de cartón piedra, los contornos asumen una
rigidez cortante y ello, junto a la esplendente policromía -aquí y allá de
tonos planos y arbitrarios-, acaba por producir una atmósfera surreal. Quizá no
ande desencaminada la idea de Heydenreich y el pintor intentara conseguir aquí
un género nuevo de decoración mural inspirándose en los tapices o en los
trabajos de taracea, pero en éstas más que en cualesquier otras obras, lo que
se hace evidente es que Uccello se mueve en el campo de lo puramente mental y
no en el de las sensaciones.
La luz y el objeto
alcanzan un acentuado nivel de irrealidad, pero ello no supone entender la luz
como fenómeno metafísico y simbólico a la manera medieval, sino como el efecto
de lo que podríamos llamar luz escénica.
Los objetos aparecen
aislados, delimitados en su propio valor lumínico, y cumplen una función
estructural, porque sirven como elementos a través de los cuales se desarrolla
toda la trama perspectiva del escenario.
EL DILUVIO Y LA
RETIRADA DE LAS AGUAS
Las dos escenas de la
luneta parecen reagrupadas en una sola, con la perspectiva que se pierde a lo
lejos, en las aguas turbulentas, pero cada una de ellas tiene un punto de fuga
diferente, determinado por cada una de las dos caras opuestas del arco. Su
rigor de construcción, su riqueza cromática, sus delicadas óptico-perspectivas,
su amplitud, su audacia, diferencian claramente esta escena de las góticas “Escenas
del Génesis” en el mismo claustro. Parece que se haya querido subrayar
expresamente su individualidad dentro del interior del gran ciclo del cual sin
embargo forma parte. Ello fue seguramente una elección deliberada de los
comitentes, probablemente madurada después de una pausa en la ejecución de los
frescos.
FRA ANGELICO
BIOGRAFÍA
FraAngelico nace e
Roma en 1395 y muere el 18 de febrero de 1455. En sus pinturas se puede ver que
se orientó hacia un arte expresivo, instalado en el espacio y bañado por la
dulce luz florentina, que no atenúa en absoluto la solidez de la composición y
la firmeza de los volúmenes. Fray Angélico utiliza colores decoristas y
brillantes para representar muy bien los sentimientos espirituales.
La pintura del beato
Angélico sorprende tanto por su calidad técnica como por la profunda devoción
religiosa que inspira.
üOBRAS
Pintura: La anunciación
Análisis Simbólico: La pintura
representa cuando el Ángel Gabriel anuncia la llegada de Jesús por medio de
María, la virgen en primer plano y en segundo plano se ve a Adán y Eva. Un rayo
de Luz simboliza el nuevo amanecer en la Historia de la Cristiandad.
Análisis de composición: La
pintura tiene formato horizontal donde la línea visual parte desde la parte
izquierda hacia la derecha. Las formas son definidas por lo que se puede
afirmar que son cerradas. El esquema compositivo parece ser una L donde el
equilibrio compositivo es de peso por tamaño, por el tamaño de la imagen de
María y el Arcángel. En cuanto al criterio compositivo cumple la ley de la
compensación de masas. Las figuras se encuentran en segundo y tercer plano.
Utiliza colores claros en la parte derecha un con oscuros en la izquierda.
Pintura: La coronación de la
virgen
Análisis Simbólico: El cuadro
representa el momento en el cual María es coronada por ser símbolo de la
virginidad, y los santos que se encuentran alrededor la admiran.
Análisis de
composición: El formato se encuentra en vertical donde la tensión de la vista
se centra en la parte superior, cuyas formas son delimitadas por lo tanto son
cerradas, el esquema compositivo es un triángulo con equilibrio compositivo de
peso por tamaño. Tiene simetría axial. Las figuras resultan ser los santos,
María y Jesúsque es quien la corona. Los
colores utilizados son claros de maneras que se encuentra en el cuadro bastante
iluminación y contraste con los colores fríos con un poco de los cálidos.
SANDRO BOTTICELLI
(Alessandro di Mariano Filipepi; Florencia, 1445 - id., 1510)
Pintor italiano. Muy valorado en la actualidad, Sandro Botticelli no se cuenta
entre los grandes innovadores del Renacimiento, sino que se inscribe más bien
en un grupo de pintores que rehuyó el realismo a ultranza y se inclinó por un
estilo basado en la delicadeza, la gracia y un cierto sentimentalismo.
En 1470, Botticelli, que contaba ya con un taller propio, se introdujo
en el círculo de los Médicis, para los que realizó sus obras más famosas. Un
primo de Lorenzo el Magnífico, Pier Francesco de Médicis, le encargó la
alegoría de La primavera y también, al parecer, El nacimiento de Venus y Palas
y el centauro.
Fue toda una novedad en aquella época realizar obras de gran formato que
no fueran de temática religiosa, y ello se debió seguramente a la vinculación
del mecenas con la filosofía neoplatónica, cuyo carácter simbólico debían
reproducir las obras encargadas. De ellas se han realizado interpretaciones de
enorme complejidad, que van mucho más allá de su gracia evocadora.
A la misma época corresponden también La adoración de los Reyes Magos y
el Díptico de Judit, obras igualmente emblemáticas. El hecho de que en 1481
fuera llamado a Roma para decorar al fresco la Capilla Sixtina junto con otros
tres grandes maestros, hace suponer que ya gozaba de un gran prestigio. A su
regreso a Florencia realizó obras, como la Natividad mística, más solemnes y
redundantes, probablemente influido por la predicación tremendista de
Savonarola. Se le deben también bellísimos dibujos para un manuscrito de la
Divina Comedia de Dante.
Eclipsado por las grandes figuras del siglo XVI italiano, Botticelli ha
permanecido ignorado durante siglos, hasta la recuperación de su figura y su
obra a mediados del siglo XIX. Su estilo se perpetuó en cierto modo a través de
los artistas formados en su taller, entre ellos el hijo de Filippo Lippi,
FilippinoLippi.
NACIMIENTO DE VENUS
El nacimiento de Venus (en italiano: Nascita di Venere) es una pintura
de Sandro Botticelli (1445 - 1510). El nacimiento de Venus representa una de
las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y
mide 278,5 centímetros de ancho por 172,5 cm de alto. Se conserva en la Galería
de los Uffizi, Florencia.
PRIMAVERA
La composición muestra una disposición simétrica, con una figura central
Venus la diosa del amor, la belleza y la fertilidad, que parte la escena en dos
mitades y marca el eje.
Mientras algunas de las figuras estaban inspiradas por esculturas
antiguas, estas no eran copias directas sino adaptadas al lenguaje formal
propio de Botticelli: figuras de elevada estatura, delgadas, ligeramente
alargadas, muy idealizadas, muy dibujadas con unas limpias líneas que marcan
los perfiles, cuyos cuerpos a veces parecen artificiosamente estirados y
presagian el estilo elegante y cortés del manierismo del siglo XVI. Como fuente
iconográfica para la representación de las tres Gracias Botticelli parece
recurrir a la Puerta del Paraíso realizada por Ghiberti en el Baptisterio de
Florencia, en particular el grupo de siervas en el relieve de Esaú y Jacob.
Las figuras destacan contra el fondo por la claridad de su piel y sus
ropajes, de colores claros e incluso transparentes. Esta palidez en los colores
muestra la anatomía del desnudo, que da más volumen a la representación, esta
técnica recuerda a la de los paños mojados de Fidias. La luz unifica la escena,
incluso parece emanar de los propios cuerpos.
La composición participa del fondo arbolado, con un bosque ordenado y
vertical para servir de fondo, casi plano y severo, a la danza y al corro. Los
personajes se sitúan en un paisaje de naranjos, árboles tradicionalmente
relacionados con la familia Médici. No obstante, hay quien apunta a que son en
realidad mandarinas, cuyo nombre clásico, medica mala, aludiría a los Médici.
Detrás de Venus hay un mirto, planta tradicionalmente sagrada para ella.
Mientras, la parte derecha está hecha de árboles doblados por el viento o por
la fuerza creadora, en concreto laureles, lo que sería una alusión al novio,
Lorenzo, en latín Laurentius. El paisaje es arbitrario, este tipo de escenarios
sometidos a la razón son muy típicos del quattrocento.
El suelo es una capa de hierba muy oscura en la que están detalladas
flores típicamente toscanas que aparecen en el mes de mayo. Son también
reconocibles las de Flora: en la cabeza lleva violetas, aciano y una ramita de
fresas silvestres; en torno a su cuello, una corona de mirto; en el manto lleva
rosas; por último, va esparciendo nomeolvides, jacintos, iris, siemprevivas,
clavellinas y anémonas.
Andrea Mantegna
BiOGRAFÍA
A los 17 años rompería con
Francesco Squarcione para establecerse por su cuenta, recibiendo sus primeros
encargos que le harían ganar una cierta reputación, llevándolo a uno de sus
tantos viajes a Venecia, para casarse con una hija del reconocido pintor
Giovanni Bellini.
Pintor de cámara en la corte de
los Gonzaga en Mantua, dedicándose la mayor parte de su vida al servicio de los
diferentes mandatarios mantovanos.
Tras un breve periplo romano
reclamado en 1487 por el Papa Inocencio VIII regresa a Mantua, donde se
incorporaría al estudio de Isabellad'Este, esposa del Duque Francesco II
Gonzaga, la cual, supo rodearse de los mejores pinceles del momento. Por la
presencia de nuevos artistas, decayó su situación económica trayéndole
problemas de salud, el cual en 1506 y a los 75 años de edad, fallecería en
Mantua.
Principales obras de Andrea
Mantegna
Retablo de San Zenón (Pala di San
Zeno)
Realiza un retablo para la
iglesia de San Zenón de Verona en su taller de Padua la cual es enviada una vez
finalizada a Verona en el año1459, está considerado el primer retablo
plenamente renacentista del norte de Italia, presentando una disposición
arquitectónica de tres calles separadas por columnas clásicas y un remate a
modo de frontón semicircular.
En el cuerpo superior preside la
imagen de la Virgen con el Niño flanqueada por los Apóstoles divididos entre
las dos tablas laterales, mientras que en la predela, aparecen las escenas de
la Oración en el Huerto, la Crucifixión y la Resurrección de Cristo.
Es perfectamente observable en
todo el conjunto como Mantegna se ha desprendido totalmente de cualquier rasgo
de arcaísmo en favor de un gusto plenamente moderno, caracterizado tanto por el
naturalismo de los paisajes como por el gusto plenamente clasicista de las
arquitecturas.
Lamento sobre Cristo Muerto
Magnífico estudio de anatomía que
representa la culminación del estilo duro, casi escultórico, e intensamente
dramático de su autor: el cadáver aparece encima de una mesa, cuya superficie,
lisa y rígida, introduce un factor de expresión dramática; el cuerpo está visto
desde los pies, de manera que sus dimensiones se acortan de forma brutal.
Se determina el descubrimiento de
formas anatómicas que casi nunca aparecen en la pintura antigua: el torso
modelado por una luz rasante, y el volumen y la textura de los pies descritos
con detalle. La simplicidad de las superficies anatómicas contrasta con el
plegado de la tela
La Virgen, acompañada por san
Juan y una tercera figura de la que sólo es visible la parte inferior del
rostro, se encuentra a la izquierda ahogada en llanto: su boca se contrae en un
rictus de dolor inusitado en la pintura de esta época y que, sin duda, anticipa
el gusto manierista por la expresión rebuscada.
Escasos toques de color animan
los rostros, de manera que el conjunto posee una virtud monocromática que
acentúa su dramatismo; a idéntico propósito responde la cruda descripción de
los orificios de los clavos en las manos y pies de Cristo, cuyos tejidos han
sido desgarrados con un realismo que requiere la observación por el pintor de
cadáveres lacerados.
La figura ha sido representada en
un impresionante escorzo y reducida a un tratamiento perspectivo que determina
que pueda ser vista desde distintos puntos, alterando la rígida
constitucionalidad
LEONARDO DA VINCI
Leonardo Da Vinci era científico
y artista italiano de un talento excepcional. Nació en Vinci (Italia) en 1452 y
murió en Amboise (Francia) en 1519. Está considerado un humanista universal y
el que más contribuyo en el Renacimiento. Leonardo retuvo consigo el retrato de
Mona Lisa hasta su muerte, no dejó de trabajar en él y, por supuesto, jamás se
lo entregó a su cliente. Desde 1513 a
1516 vivió en Roma, donde en ese momento trabajaban pintores como Rafael y
Miguel Ángel; no tuvo sin embargo mucho contacto con estos artistas. Leonardo
era un pintor compulsivo que a menudo planeaba grandes obras pictóricas para
abandonarlas sin terminar. Sus detallados estudios de la anatomía, como por
ejemplo el Hombre de Vitruvio, son quizá más impresionantes que sus trabajos
pictóricos, al igual que sorprenden aún sus trabajos sobre ingeniería, los
pájaros, el vuelo y otras áreas que suscitaron su insaciable curiosidad.
LA GIOCONDA
ANÁLISIS
La técnica utilizada es óleo
sobre una tabla de 77 x 53 cm.
La composición está formada por
dos planos, la Gioconda (podríamos decir que forma una composición triangular)
y el paisaje.
La Gioconda es el comienzo del
paisaje y el cielo, que asciende hacia el horizonte, es el final, ya que todos
los elementos del paisaje se confunden entre sí, porque las líneas de contorno
están muy poco marcadas, utiliza la técnica de sfumato, difumina los rasgos
hasta hacerlos indefinibles pertenece Renacimiento s XVI
"Cinquecento".
El dibujo, el contorno y la
perspectiva pierden la primicia para dar paso a la luz que adquiere mucha
importancia juntamente con las sombras (dan profundidad a la obra).
LA ULTIMA CENA
Es una obra construida sobre la
simetría y la perspectiva como efectos básicos de la composición, estando Jesús
en el centro del cuadro en sentido horizontal y a su vez está justo en el punto
de fuga de la perspectiva central.
La técnica empleada es de Temple
y óleo sobre yeso.
La pintura es religiosa y se
encuentra en el Refrectorio de Santa María delleGrazie (Milán).
Pertenece al Renacimiento
(Cinquecento)
MIGUEL ÁNGEL (MichelangeloBuonarroti)
Biografía
Miguel Ángel, fue un pintor, arquitecto y escultor
renacentista de la época, nació el 6 de marzo de 1475 en Caprese,
Republica de Florencia-Italia y murió en Roma-Italia el 18 de febrero de
1564. Considerado uno de los mejores artistas de la historia, debido a sus
maravillosas esculturas, pinturas y obras arquitectónicas, de Buonarroti si se
conservan esculturas, pinturas y obras arquitectónicas como es la Fachada
de la Basílica de San Lorenzo en Florencia, la Biblioteca Laurenciana
donde realizó la sala de lectura, el artesonado de la sala de lectura,
el vestíbulo, las escaleras, el grabado de la plaza del Capitolio, entre
otras.
OBRAS
• LA CONVERSIÓN DE SAN PABLO
La Conversión de San Pablo, es una obra pictórica de
Miguel Ángel, técnicamente es un fresco (Un fresco es
una pintura realizada sobre una superficie cubierta con dos capas
de mortero de cal), se encuentra en la Capilla Paolina del
Palacio Apostólico en la Ciudad del Vaticano, data de 1542 a 1542,
mide 6.25m de alto y 6.61m de ancho, debido a que el autor trabajaba mucho en
frescos, esta técnica ya se apodero totalmente de él, pero en este fresco,
la obra fue muy criticada, debido a que las figuras huyendo en desorden no
fueron bien recibidas.
• EL JUICIO FINAL
Miguel Ángel es el creador de una gran
obra pictórica El Juicio Final o El Juicio Universal, es un mural
realizado al Fresco, para decorar el ábside de la Capilla Sixtina en Roma en la
Ciudad de vaticano (El ábside es la parte de
la iglesia situada en la cabecera. Generalmente tiene planta
semicircular pero puede ser también poligonal), El Juicio Final es un enorme
conjunto pictórico que mide de altura 13.70m y de ancho 12.20m, es de
genero religioso cuyo tema es extraído del Apocalipsis de San Juan.
Rafael Sanzio
(6 de abril de 1483-6 de abril de 1520)
También conocido como Rafael de Urbino o simplemente Rafael,
fue un pintor y arquitecto italiano.
su obra está impregnada de un equilibrado clasicismo. su
estilo es la mejor expresión de la “belleza ideal”. su aprendizaje de p. de la
francesca, leonardo, y m. ángel convierten a rafael en el artista que mejor
representa el sincretismo renacentista.
Algunas de sus obras: Retablo Baronci (una pala de altar para
la iglesia de San Nicolás de Tolentino); pinturas como, Los desposorios de la
Virgen, La Escuela de Atenas, La resurrección de Cristo , Sagrada Familia con
la Virgen del Velo y La coronación de la Virgen; tapices con escenas de la vida
de San Pedro.
Análisis de sus obras
Obra: La Escuela de Atenas 1509 d.c.
Análisis simbólico
Plantea una ordenación ideal de
la cultura humanista en clave cristiano-platónica: el saber humano como
complementario de la revelación. Así, el ciclo de los frescos de las Estancias
está consagrado a la celebración de las ideas de Verdad, Belleza, Bien; en la
Disputa es la Verdad revelada por la religión cristiana la que es exaltada, en
la Escuela de Atenas lo es la Verdad racional de la especulación filosófica.
Expresa también en esta obra la
concepción propiamente renacentista de la obra artística entendida como
discurso mental, no sólo traducido de forma visible, sino también como búsqueda
de la "idea". Se ha querido ver en esta pintura una representación de
las siete artes liberales. En el primer plano, a la izquierda: Gramática,
Aritmética y Música, a la derecha: Geometría y Astronomía y en lo alto de la
escalinata Retórica y Dialéctica. En definitiva una continuidad entre el
conjunto del saber antiguo y moderno teniendo como protagonista al hombre.
Análisis de Composición
Platón
y Aristóteles están en el centro ideal de la perspectiva de toda la
composición encuadrados en el fondo del cielo por el último arco. A la
izquierda Sócrates conversando con Alejandro Magno, armado. La configuración de
la arquitectura del templo de la sabiduría, con los nichos de Apolo y Palas
Atenea, como espacio renacentista y la representación de los sabios de la
antigüedad como hombres contemporáneos de Rafael subrayan esta idea de
continuidad entre el presente y el mundo antiguo.
Fresco, 770 cm
- StanzadellaSegnatura, Palacio Pontificio,
Vaticano
Obra: Madonna de Belvedere (Madonna del Prato)
1506 d.c.
Análisis simbólico
Interpreta de la belleza femenina
a través de sus “madonas”. Rafael es la gracia, el encanto poético, sobre todo
en sus obras de juventud.
Análisis de Composición
Su paleta cromática es luminosay
colorista, pero mesurada,
buscando siempre la complementariedad
de los colores cálidos y fríos.Óleo
sobre madera
113 x 88 cm
KunsthistorischesMuseum, Viena
113 x 88 cm
KunsthistorischesMuseum, Viena
Tiziano
Vecellio (Italia, 1490-Venecia, 1576)
Pintor
italiano, recibió su primera formación en el taller de Giovanni Bellini, del
que salió a los dieciocho años para integrarse en la escuela de Giorgione. La
concepción poética de la pintura En la obra Amor sagrado y amor profano, lienzo con el que se consagra ya
como un maestro del desnudo femenino, además de manifestar un talento natural
en la plasmación del paisaje, no tardó en convertirse en el artista más
importante de Venecia.
Aunque
sus obras son las de tema alegórico y mitológico, el artista comenzó la parte
más brillante de su carrera con una serie de retablos de colores fuertes y
contrastados y figuras poderosas, son obras de composición enérgica que
muestran una gran vitalidad, se reveló también como un gran retratista. Su
estilo pictórico evolucionó hacia composiciones menos dinámicas, más pausadas,
y hacia colores mucho más claros y complementarios en lugar de contrastados.
Realizó un viaje a Roma, e hizo un nuevo tratamiento del color a base de
pinceladas largas y atrevidas, y de manchas y toques que deshacen las formas y
dan una apariencia ligera y agradable a las pinturas, lo cual esconde el gran
trabajo subyacente. Realizó una serie de cuadros de tema mitológico denominados
por el propio pintor (poesías) por su carácter idílico y distante.
Autor: Tiziano Vecellio
Título: Amor sagrado y Amor profano
Año: 1514
Técnica: Óleo sobre lienzo
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones:
118 x 278 cm
Procedencia: Colección del cardenal ScipioneBorguese
Procedencia: Colección del cardenal ScipioneBorguese
Es un desnudo femenino,
manifestación natural en la plasmación del paisaje. La mujer sentada lleva, de hecho, todos los
ornamentos de una novia: el vestido blanco, los guantes, el cinturón, y la
corona de mirto, símbolo del amor conyugal. La palangana en el borde de la
fuente, parte integrante del ajuar porque se utiliza después del parto y la
pareja de conejos en el fondo representan, sin embargo, el deseo de una unión
fructífera. Inspirado en los ideales de la doctrina neoplatónica, una de las
principales interpretaciones identifica a la mujer con el brasero en la mano
con la Venus Celeste, imagen de la belleza universal y espiritual y a la mujer
vestida ricamente con la Venus Vulgar, símbolo del poder generador y terreno de
la naturaleza. Cupido, sorprendido en el acto de verter el agua, representaría,
por lo tanto, el amor como un intermediario entre el cielo y la tierra. Revela
una lectura en clave moralista de la desnudez de la mujer a la izquierda que
debe interpretarse, en cambio, en el sentido clásico, como un canon de
sencillez y pureza.
.jpg/400px-Tiziano_-_Amor_Sacro_y_Amor_Profano_(Galer%C3%ADa_Borghese,_Roma,_1514).jpg)
Autor: Tiziano Vecellio
Título: Venus de Urbino, también llamada Venus del perrito
Año:
1538
Técnica:
Óleo sobre lienzo
Dimensiones:
119 cm x 165 cm
Procedencia: GalleriadegliUffizi
(Florencia).
Representa
a una joven desnuda tendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete
veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves
reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol, al lado de la
ventana se encuentran dos criadas casi enigmáticamente de espaldas acomodando
ropas en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja
de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito, la
presencia del perro es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe
exactamente quién es, el perro, típica alegoría de la fidelidad, aquí
aparece, sugerentemente, dormido.
Aunque
esta pintura se encuentra directamente inspirada por la Venus dormida del
Giorgione, es evidente que se aleja del idealismo
característico del Renacimiento italiano. La mayor diferencia con las
Venus típicas es que la joven aparece obviamente consciente y orgullosa de su
belleza y su desnudez, ella mira de un modo dulce, cómplice y decidido al que
la observa, mientras su mano izquierda se apoya sobre el pubis, que se ubica en
el centro de la composición. Las flores en la mano derecha resaltan el
aura de erotismo ya reforzada por la luz casi dorada que ilumina al
cuerpo. El color claro y cálido del cuerpo produce una impresión de sensual
indolencia, realzada en el contraste con el oscuro del fondo y el colchón, en
efecto, el color oscuro del lienzo de la pared provoca una cesura en la mirada
que entonces se centra en el cuerpo de la mujer. La fuga de la
perspectiva se dirige hacia la derecha y está acentuada por las criadas
figuradas totalmente vestidas y con tonos fríos que aportan una cuota de
realismo, la presencia de la columna y el árbol en el punto de fuga, y
los sucesivos planos iluminados y sombreados que se resaltan en las baldosas.
Todo esto hace destacar a la joven desnuda que se encuentra dispuesta en una
elegante línea oblicua.
JacopoRobustiilTintoretto
Nació
el 29 de septiembre de 1518 en Venecia. Tomó el sobrenombre de la
profesión de su padre que era tintador.
Considerado, junto a Veronés, el representante más importante de la Escuela Veneciana de
la generación posterior a Tiziano.
Estudió
durante diez días con Tiziano. Vivió y trabajó siempre en Venecia, dedicando su
obra a las iglesias, hermandades y gobernantes de la ciudad. Recibió
influencias de Miguel Ángel y de Andrea Schiavone. Autor del San Marcos (1548, Academia, Venecia) para la
Scuola di San Marco en Venecia.
Tuvo
muchos aprendices entre los que destacaban sus hijos Marietta y Domenico, cuyas aportaciones son a menudo muy difíciles de
distinguir de sus propias obras. Trabajó los contrastes de luz y sombra, las
perspectivas, escorzos forzados y grupos escenográficos.
Casado
con Faustina Episcopi desde
1550, su vida se desarrolló entre su casa y su estudio, ambos en el mismo
edificio, la FondamentadeiMori.
Tintoretto
falleció en Venecia el 31 de mayo de 1594.
El lavatorio de pies es una obra que representa en el lado derecho de la
pintura, mientras que parecería más lógico que ocupara el espacio predominante
en el mismo centro de la tela. La profundidad a las dos dimensiones del cuadro,
al fondo vemos un gran arco que se abre a un estanque, que a su vez se cierra
con un nuevo arco en la perspectiva más lejana, y se rodea todo ese espacio
exterior de arquitectura.
La última cena (1594) es una obra, la mesa se dispone en una
fuerte diagonal con los personajes diseminados a su alrededor ocupando gran
parte del espacio, En contraposición ciertas zonas en la profundidad del cuadro
presentan un aspecto inacabado.
La Escultura Renacentista .
·
En
un principio, la escultura renacentista se desarrolla en relación con la
arquitectura. Mas, la estatuaria no tarda en independizarse. Al igual que las demás
artes, refleja el humanismo ambiente exaltando la belleza del cuerpo humano,
utilizando los nuevos conocimientos anatómicos y los canones griegos.
·
El
hombre es el tema principal y el contraposto aparece de nuevo.
·
Además,
la escultura se caracteriza por su expresividad y la perfección de las formas,
tanto en el bajo relieve como en la estatuaria.
·
El
bajo relieve constituye la clave en la escultura arquitectónica. Su principal
progreso se encuentra en el uso de las leyes de la perspectiva redescubiertas
por Lorenzo Ghiberti.
Si, indudablemente, otros
escultores notables merecen mención:
·
Los
innovadores son:
·
Verrocchio,
aunque, definitivamente, la escultura del Renacimiento es dominada por el genio sin paralelo de:
aunque, definitivamente, la escultura del Renacimiento es dominada por el genio sin paralelo de:
Donatello
(Desconocido -
1466/12/13)
Donato di Niccolò di
Betto Bardi
Escultor
italiano
Nació en 1386
en Florencia, hijo de un cardador de lana. Cuando cumplió 17 años
trabajó como ayudante de Lorenzo
Ghiberti en
la construcción y ornamentación de las puertas de bronce del
baptisterio de San Juan de Florencia. Algún tiempo después, también colaboró
con Filippo
Brunelleschi.
En su carrera
artística se pueden establecer tres periodos. El primero se desarrolla hasta
1425, y en él se puede observar influencia de la escultura gótica, aunque
también revela tendencias clásicas y realistas; destacan entre las esculturas
de este periodo las estatuas de San Marcos (1411-1412, iglesia de
Orsanmichele, Florencia), San Jorge (1415-1417, Bargello, Florencia), san
Juan Evangelista (1413-1415, Opera del Duomo, Florencia)
y Josué (1418, campanile de la catedral de Florencia). En el segundo
periodo (1425-1443) predomina la utilización de modelos y principios
escultóricos de la antigüedad clásica.
Hacia 1443, trasladó
su taller a Padua. Entre 1425 y 1435 trabajó con el escultor y arquitecto
florentinoMichelozzo en varios proyectos, entre los que se encuentra el
monumento dedicado a BartolomeoAragazzi (catedral de Montepulciano).
Entre 1430 y 1433 viajó en varias ocasiones a Roma, donde creó varias
obras, de las que la más notable es el cáliz de la sacristía de la
basílica de San Pedro, decorado con los relieves de La adoración de los ángeles
y El entierro de Cristo. Sin embargo, fue en Florencia donde creó la obra más
notable de este periodo, su David en bronce (c. 1430-1435, Bargello),
primer desnudo exento de la escultura renacentista.
Su tercer periodo se aleja de la influencia clásica y pone mayor énfasis en el realismo y en el dramatismo de la acción: Los milagros de san Antonio (San Antonio, Padua); El Gattamelata (en la plaza que está delante de la basílica de San Antonio) y Judith y Holofernes (Piazza dellaSignoria, Florencia).
Su tercer periodo se aleja de la influencia clásica y pone mayor énfasis en el realismo y en el dramatismo de la acción: Los milagros de san Antonio (San Antonio, Padua); El Gattamelata (en la plaza que está delante de la basílica de San Antonio) y Judith y Holofernes (Piazza dellaSignoria, Florencia).
Donatello falleció
en Florencia el 13 de diciembre de 1466
Esta obra fue
realizada en bronce fundido y pulido. En principio la escultura se colocó en el
patio del palacio de los Médicis, pero cuando Piero de Médicis fue expulsado de
la ciudad la estatua fue trasladada al patio del Palazzo Vecchio, sede de la
señoría de la república. Actualmente se halla localizada en el museo del
Bargello de Florencia.
La textura de su
superficie es lisa y pulida, pues el artista parece imitar el aspecto de la
piel humana, intentando hacer más verosímil dicha escultura, lo cual además
proporciona una cierta sensación de blandura y tersura.
La escultura puede ser
contemplada desde distintos puntos de vista y el contrapposto, así como la
cabeza ligeramente girada hacia un lado, rompen totalmente con la ley de la
frontalidad.
La pose de la figura
nos remite hacia una composición reposada y serena, casi estática, mostrando
una gran serenidad interior después de haber conseguido la victoria sobre su
rival.
La composición es
plenamente figurativa con la búsqueda de la belleza ideal en la imagen de un
David adolescente. El cuerpo de David aparece representado como si de un Dios
olímpico se tratara. Un joven de anatomía blanda apenas desarrollada y que
adopta la postura clasicista del contrapposto apoyando el peso del cuerpo sobre
la pierna derecha, cuya cadera sobresale recreando la curva praxiteliana. El
rostro imberbe del joven David expresa serenidad y contrasta con el vencido
Goliat cuyo rostro barbudo de facciones marcadas y maduras contrastan con las
de su oponente.
Análisis de El CondottieroGattamelata”
(Bronce,
1447-1450, Plaza del Santo, Padua). Esta escultura ecuestre sobre podium
decorado con motivos clásicos se encuentra frente a la fachada principal de la
Basílica de San Antonio en Padua. El artista se inspiró en la estatua ecuestre
de Marco Aurelio de Roma. Se convertirá en el prototipo de las esculturas
ecuestres del Renacimiento que al mismo tiempo son retratos. Vasari alabó su
maestría en la ejecución de las proporciones.
Se trata de un
guerrero victorioso, un héroe tal y como se refleja en la literatura
renacentista. Pero también destaca el trabajo realizado en el animal, el
caballo va ganando conforme se le rodea, gira su cabeza ligeramente hacia la
izquierda marcando mucho el cuello. El animal va marcando el paso, por lo que
el artista tiene que buscar un punto de apoyo artificial para conseguir el
equilibrio dado el enorme tamaño de la escultura y para que no se venciera
hacia la izquierda. Inspirará a otros artistas como IlVerrochio.
El rostro del Condottiero es todo un ejemplo de análisis psicológico, enérgico, fuerte, poderoso, aunque muestra cierta rigidez.
ANDREA VERROCCIO
Biografía
Andrea di
Michele di Francesco de Cioni nació en Florencia en 1435 y falleció en Venecia
en 1488, conocido simplemente como Verrocchio; hijo
de Michele di Francesco Cioni, quien trabajó como fabricante de azulejos y
tejas y, más tarde, como recaudador de impuestos. Fue un pintor, escultor y orfebre
cuatrocentista italiano. Trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en Florencia. Entre
sus alumnos estuvieron Leonardo
da Vinci, Perugino, Ghirlandaio y Sandro
Botticelli, pero también influyó en Miguel
Ángel. Trabajó en el estilo serenamente clásico del
primer renacimiento florentino. Dentro de sus principales obras son:
-
El
bautismo de Cristo, (1472-1475),
Óleo sobre tabla, 177 x 151 cm, Galería de los Uffizi, Florencia.
-
Virgen con los santos Juan Bautista y Donato (1475-1483), Tabla, 189 x
191 cm, Catedral de Pistoia.
Obras
EL BAUTISMO DE CRISTO
-
1475
- 1478
-
Pintura
al óleo sobre Tabla
-
Mide 177 cm × 171 cm
-
Realista
y Natural
-
Utiliza
la triangulación
-
Se
atribuyen algunas partes a Leonardo Da Vinci (Alumno de Verrocchio)
VIRGEN CON LOS SANTOS JUAN
BAUTISTA Y DONATO
-
1475
- 1483
-
Pintura
al óleo sobre Tabla
-
Mide 189 cm × 191 cm
-
Realista
y Natural
-
Utiliza
la triangulación
Luca dellaRobbia
Luca DellaRobbia, escultor y
ceramista italiano. Nació en Florencia en 1400 y murió en 1482.
Según Giorgio Vasari, Luca nació en el
año 1388 en la casa de sus antepasados que se encontraba debajo de la iglesia
de San Bernabé en Florencia. Fue educado, conforme a las costumbres de la
época, hasta que aprendió no solo a leer, sino también a escribir y contar,
como se solía hacer en casi todas las casa florentinas, por sus propios medios.
Su padre le colocó, enseguida, para que aprendiera el oficio, en casa del
orfebre Leonardo, hijo de Giovanni, considerado, por entonces en Florencia,
como el mejor maestro en este arte.
“Madonna con el Niño”
(Terracota esmaltada, 1445-1450,
MetropolitanMuseum of Art, Nueva York). Muestra las dos figuras dentro de un
nicho enmarcadas por un arco de medio punto. El niño se muestra sosteniéndose
sobre uno de sus pies con gesto cariñoso mientras su madre le sostiene evitando
así que caiga. Esta Madonna influirá mucho en las pinturas que se realicen con
el mismo tema en época contemporánea y posteriormente, entre otros autores Fra
Filippo Lippi seguirá este modelo para sus pinturas.
“La Visitación”
(Terracota esmaltada, 1445, San Giovanni
Fuorcivitas, Pistoia). Escultura de tamaño natural que se encuentra en uno de
los nichos de esta Iglesia de Pistoia. Para muchos estudiosos es obra de su
sobrino Andrea, en cualquier caso parece una colaboración entre tío y sobrino
con clara influencia de IlVerrochio.
GIOVANNI BELLINI
Pintor
italiano. En la pintura italiana de la segunda mitad del siglo XV alcanzó
especial renombre Giovanni Bellini, impulsor de la escuela veneciana y famoso
pintor de madonnas, que creó un lenguaje pictórico basado en la fusión de la
figura humana con el paisaje, dando gran importancia a la luz y al colorido.
También
llamado Giambellino, nació en el seno de una familia de pintores; su padre,
Jacopo, dibujante y discípulo del florentino Gentile da Fabriano, desempeñó un
importante papel como introductor de la estética renacentista en Venecia. Su
hermano Gentile fue un importante retratista que colaboró con él en la
decoración del palacio ducal e incluso viajó a Constantinopla a retratar a su
sultán.
Las
primeras obras de Bellini, realizadas con la técnica del temple, salieron del
taller paterno, lugar de aprendizaje, trabajo y formación hasta que marchó a
Padua, hacia 1460. Allí conoció al pintor Andrea Mantegna, su futuro cuñado, de
quien aprendió a dominar el dibujo, como puede verse en ”Oración
del huerto de los olivos”, y a quien a su vez enseñó la luz de la
escuela veneciana. Bellini era por entonces un gran paisajista, virtud que
transmitió años después a los discípulos de su taller.
MADONNA DE LA PRADERA
La Madonna de la pradera' muestra
a Jesús durmiendo en las piernas de la Virgen. Es una pose natural, sin
embargo, se anticipa a la Piedad, en la que su cuerpo muerto se sentó en el
regazo de su madre. El paisaje muestra las tierras de cultivo y colinas
fortificadas de las provincias de la parte continental de Venecia. A la
izquierda de la Virgen a un pájaro que vadea, posiblemente una grúa, ataca una
serpiente. Esto puede tener como objetivo simbolizar la lucha del bien y del
mal. El buitre en el árbol puede ser un símbolo de la muerte. La pintura ha
sido trasladada desde el panel de lienzo y está dañado en algunos lugares.
LA SANGRE DEL REDENTOR
En esta obra de Bellini, Cristo
se muestra como el Redentor. El Panel puede haber servido como la puerta de un
sagrario, en la que el vino y el pan de la misa se mantuvieron. Cristo se
muestra después de la crucifixión, como el Hombre de los Dolores, cuya sangre
salva al mundo del pecado. Él lleva a cabo su cruz, con la corona de espinas.
Un ángel le llama la sangre en un cáliz, como las que se usan en la Misa. El
parapeto relieves que ilustran antiguos rituales paganos y puede tener un
significado para el significado de la pintura, pero ninguna teoría convincente
sobre esto todavía no se ha avanzado. Antes de limpiar, en 1978 hubo un suelo
de baldosas ininterrumpida, incluyendo un poco de aceite-pintura sobre
originales de Bellini temple de huevo. Limpieza eliminado estas adiciones. Los
parches desnudos de yeso, o de tierra, fueron pintados originalmente como nubes
con ángeles rojos y azules con mucho oro. No sabemos por qué o cuando se
retiraron los ángeles, pero sin duda se hizo después de Bellini terminó la
obra.
Giorgione (1477-1510)
Biografía
Giorgio Barbarelli da
Castelfranco más conocido como Giorgione, (Castelfranco Véneto; h. 1477
Venecia, 1510), pintor italiano, representante destacado de la escuela
veneciana.
Es
una de las figuras más oscuras de la historia del arte, ya que nada se sabe de
su vida y muy poco de su obra, sobre la que existen numerosos problemas de
atribución, entre otras razones porque dejó varios cuadros inacabados, que
completaron otros pintores. Llegó a Venecia hacia el año 1500 y se formó en el
taller de Giovanni Bellini, antes de establecerse por su cuenta en asociación
con VincenzoCatena. Participó en dos importantes encargos públicos: un lienzo
para la sala de audiencias del palacio ducal (perdido) y los frescos exteriores
del FondacodeiTedeschi, en colaboración con Tiziano. Se le considera el
inventor del paisaje emocional, es decir, de la naturaleza representada en
función del estado de ánimo del artista.
Obras
"La tempestad resume todas
las claves del "giorgionismo". Es un cuadro del que se desprende una
profunda sensación de misterio. En este cuadro todo parece casual los
personajes no dominan, ni por su escala ni por su posición, el paisaje, no
gobiernan la estructura del cuadro; tampoco la naturaleza aparece sometida a
una disposición rígida según las leyes de la perspectiva cuatrocentista. Por
primera vez la naturaleza no es un telón de fondo y ni siquiera el campo de
acción de la historia o del mito, sino que asume un nivel de protagonismo
idéntico al de ellos. Y es que La tempestad tampoco es un paisaje con figuras.
Es inquietante como relaciona los personajes con el paisaje de la naturaleza
que se encuentra tormentoso, mientras los personajes se mantienen tranquilos
sin preocuparse de la naturaleza como si nada pasara.
Venus dormida
Es la última obra que Giorgione
pinto antes de fallecer, no fue terminado por él, pero en el cuadro podemos
apreciar la técnica de paisajismo emocional que el creo, por la forma de las
nubes y la forma en como oscuras el panorama de las casas, se puede ver una
técnica delineada tanto en el paisaje como en la diosa acostada, nos deja
apreciar la forma en la que descansa indiferente a lo que pase en la
naturaleza, sin preocupación y separada de la pequeña aldea como símbolo de
superioridad o indiferencia al pueblo, la forma en como utiliza los colores
claros en la diosa como símbolo de divinidad y el rostro tranquilo descansa
sobre su brazo, mientras su mano se encuentra en la ingle como demostrando un
toque de pureza.
Correggio (Antonio Allegri)
(1489-1534)
Biografía
Poco es lo que se conoce acerca
de las circunstancias personales de Antonio Allegri.
Oriundo de la localidad de
Correggio su sobrenombre deriva prácticamente de este hecho, nace a finales del
s.XV las fechas están entre 1489 y 1493 ya que no se sabe exactamente su fecha
de nacimiento, disfruto de una breve vida ya que murió en 1534
La obra más antigua documentada
de Allegri data de 1514 y fue encargada por el prior de la Iglesia de los
franciscanos de Correggio para el altar mayor de la misma; esta tabla es
conocida bajo el título de La Virgen de San Francisco y responde al modelo
iconográfico de sagradas conversaciones, inscrita en este caso dentro de un
esquema piramidal completamente clásico. La fama de Correggio se consolida a
partir de la tercera década del s.XVI, recibiendo encargo por parte de grandes
mecenas de la época, como el duque de Mantua Federico II Gonzaga.
Obras
Adoración de los pastores
En esta obra de Correggio podemos
apreciar una pintura un poco oscura que tiene un foco de luz en el niño Jesús
que se encuentra en las manos de María creando así un efecto singular entre el
contraste de luces y sombras. Los rostros alegres, sonrientes de los pastores,
San José y María demuestran claramente el estilo carismático o dulce que tenía
Correggio. Podemos apreciar que se rompe la simetría del renacimiento al
desplazar la imagen del centro hacia la derecha y entrando a algo típico que se
verá en el Manierismo.
Leda y el cisne
Forma parte de un conjunto de
cuatro lienzos que el duque de Mantua, Federico Gonzaga encargó al pintor con
una temática mitológica en el que el pintor Corregio narra la historia de Leda,
la joven y bella esposa de Tindáreo a la que Zeus poseyó en el río Eurotas
adoptando la forma de un hermoso cisne. Podemos apreciar que el artista ha
optado por unificar diversas escenas de la historia en un mismo espacio, así
establece en el centro la unión entre Leda y cisne. Podemos ver una sensualidad
en la pintura propia de la época acompañada de moderación y elegancia. Podemos
observar que la pintura está fuera del renacimiento ya que los personajes no se
encuentran delineados y la pose de Leda. Observamos que al lado derecho también
se encuentra Leda desnudándose, y al final rechazando con sus gestos al hermoso
cisne.
ALBERTO DURERO
AlbrechtDurer; Nuremberg, actual
Alemania, 1471-1528. Pintor y grabador alemán. Fue sin duda la figura más
importante del Renacimiento en Europa septentrional, donde ejerció una enorme
influencia como transmisor de las ideas y el estilo renacentista a través de
sus grabados.
Se formó en una escuela latina y recibió
conocimientos sobre pintura y grabado a través de su padre, orfebre y de
Michael Wolgemut, el pintor más destacado de su ciudad natal. Al concluir sus
estudios realizó un viaje a diversas ciudades de Alemania y Venecia 1494,
ciudad a la que regresaría entre 1505 y 1507, en la cual recibiría influencia
de Mantegna y Giovanni Bellini, además de asimilar los principios del
humanismo. Previamente había contraído matrimonio, abrió un taller en su ciudad
natal de pintura y grabado.
Después de su estancia en Italia,
pintó algunas obras de grandes dimensiones, en las que incorporó la riqueza del
colorismo veneciano, tal era su fama que fue nombrado pintor de corte del
emperador Maximilano I 1512, también Carlos I lo reclamó. Alberto Durero le
gustó retratarse a sí mismo desde la temprana edad de trece años. Durante los
últimos años de su vida, Durero reflejó los numerosos estudios sobre las
proporciones y la monumentalidad de la figura humana.
Es una pintura realizada por el
artista Alberto Durero, están pintadas a óleo sobre tabla. Datan del año 1507,
ambas miden 209 cm de alto, una mide 80 cm y el otro 81 cm, se atribuye una
influencia gótica e incluso un poco de manierismo.
Se representa en dos tablas
independientes, en la que Adán se representa en un fondo oscuro, de manera que
se centre la figura humana masculina que está de pie. Eva se presenta en una
postura distinta, se presente de frente adelantando la pierna derecha, el
rostro de Eva es más claro que el de Adán
y aún desprende inocencia.
Autorretrato de Alberto Durero
Autorretrato realizado en 1500, elaborado con óleo sobre panel de madera. Sus
dimensiones son 67 cm de largo y 49 cm de ancho se lo conoce también como
Autorretrato con traje de piel, se representa sosteniendo una flor en su mano
derecha.
El fondo oscuro da un efecto de
silencio, el rostro de Durero sobresale dramáticamente, la luz que posee es
poca pero llega del lado izquierdo del cuadro y es el único espacio que alumbra
la escena. A este cuadro se otorga realismo y detallismo, a la vez que no es
simétrico esto se sabe gracias a la luz que solo llega a un lado.
GRUNEWALD MATIAS
Pintor e ingeniero hidráulico
alemán, nace en Wurzbugo, actual Alemania en el año de 1470, y muere el 31 de
agosto de 1528 en Halle. Su nombre originalmente fue MatthiasGrunewald, sin embargo un
escritor del siglo XVII, Joachim Von Sandrart, lo identificó erróneamente con
el apellido Grunewald, su nombre no fue descubierto hasta los años 1920. Su
fecha de nacimiento no está clarificada, pero se cree que sería hacia finales
del siglo XV, ya que su primera obra fechada es de 1503. Pintó principalmente
obras religiosas, especialmente escenas de crucifixión, las cuales eran
sombrías y llenas de color. Sus pinturas son conocidas por sus formas
dramáticas, colores vívidos y el tratamiento de la luz, así también como su
intensidad cromática y la agitación de la línea.
Obra: Trias Romana
Época: Renacimiento
Dimensiones: 19.9cm x 27.2cm.
Técnica: Tiza sobre papel.
Análisis:
Se trata de una obra de la época
del renacimiento, la cual presenta una composición cerrada, con cierta
centralidad ya que se trata de tres cabezas que parecen descansar sobre un solo
cuello, sobre un solo punto de donde estas crecen. Nos encontramos también con
una pintura lineal, la primera cabeza está representada como solían aparecer
los sacerdotes en las caricaturas de la época. La verruga que aparece en la
nariz parece referirse a la sífilis, enfermedad que por entonces hacía muchos
estragos. La cabeza menos clara representa una cierta esperanza, esperanza de
salvación.
Obra: Escarnio de Cristo
Época: Renacimiento
Dimensiones: 109cm x 73.5cm.
Técnica: Pintura a temple y óleo.
Análisis:
Se trata de una pintura de la
época del renacimiento. Es una pintura con una composición central, la cual
utiliza una cromática vivaz, con colores vívidos. Utiliza escenas religiosas,
las cuales están representadas por una pintura lineal, utilizando de cierta forma
la perspectiva. En la pintura se representa a Jesús de Nazaret, el cual está
con los ojos vendados y brazos atados. Recibe indefenso los golpes otorgados
por unos siervos.
CRANACH LUCAS
(Lucas
Müller; Cranach, hoy Kronach, actual Alemania, 1472-Weimar, id., 1553) Pintor
renacentista alemán. Las primeras obras conservadas de este artista datan de
1502 y coinciden con su estancia en Viena, donde cambió su nombre por el de su
ciudad natal. De aquella época datan varios cuadros suyos de asunto religioso,
de expresividad muy acentuada: las dos Crucifixiones, la de 1500 y la de 1503.
La tabla Alto en la huida a Egipto(1504) destaca, en cambio, por su
amplia concepción idílica. En 1505, llamado por el elector Federico el Sabio de
Sajonia, se trasladó a Wittenberg, ciudad en la que permaneció hasta 1550 como
pintor de la corte, y en donde destacó, además, como ciudadano, llegando a
ocupar diversos cargos. Se convirtió asimismo en el representante artístico de
la causa protestante con su serie de retratos de Martín Lutero y su círculo,
aunque el retrato del arzobispo de Maguncia, Alberto de precisamente son los
retratos lo que más caracteriza la obra de Cranach, como el del Duque Enrique
el Piadoso y su esposa Catalina y el Autorretrato que se encuentra en los Uffizi. Entre
otras obras de esta época son de destacar El martirio de Santa Catalina, El
juicio de Paris, Cacería en
Torgau y sus versiones de Adán
y Eva. Brandeburgo, demuestra que no había roto con las destacadas
figuras del catolicismo.
Venus-und-Amor
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Artista
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Título
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Venus and Cupid, the Honey Thief
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Fecha
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1534
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Técnica
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Óleo sobre tabla
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Dimensiones
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49,5 × 34 cm
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Ubicación actual
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Número de inventario
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15272
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Inscripciones
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Artist's insignia on the tree: winged
serpent with elevated wings facing right and dated '1534'
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Notas
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Friedländer, Rosenberg (1978) No.: -
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Referencias
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Fuente/fotógrafo
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Gerechtigkeit
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Artista
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Título
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Deutsch: "Gerechtigkeit als nackte Frau mit Schwert und Waage"
English: Justice as a naked
Woman with Sword and Scales
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Fecha
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1537
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Técnica
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Óleo sobre tabla
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Dimensiones
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72 x 49,6
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Ubicación actual
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AmsterdamFridartStichting
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Notas
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Sometimes also referred to as "An
Allegory of Justice." Painted by Lucas
Cranach der Ältere (or, in English, Lucas
Cranach the Elder), best-known for his portraits of the
German Christian reformer, Martin Luther.
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Fuente/fotógrafo
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Desconocido
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BALDUNG GRIEN
ü BIOGRAFÍA
Pintor y dibujante renacentista
nacido en Alemania 1484 y fallece en Estrasburgo en 1545. Se formó en Alsacia
bajo la influencia de Schongauer. Hacia 1502 se traslada a Nuremberg, y
comienza a trabajar como aprendiz en el taller de Alberto Durero. Su estilo es
realista, aunque enormemente imaginativo y personal. Muestra una marcada
propensión a utilizar el color verde y muchas de sus escenas de tema religioso
están impregnadas de una luminosidad misteriosa y sobrenatural. Hizo muchos
dibujos, xilografías, aguafuertes, grabados. Son numerosos sus bocetos para
vidrieras, algunas de las cuales fueron ejecutadas bajo su dirección para la
catedral de Friburgo.
ü OBRAS
Pintura: Las tres gracias
Análisis Simbólico: Se presentan
dos jóvenes semidesnudas en pie, con los atributos de los sentidos y el
conocimiento: la música y los libros. Tres niños desnudos llevan un cisne y una
partitura, como si fueran geniecillos del amor. Por último, el símbolo del
pecado, la serpiente, se enrosca a su lado en el tronco de un árbol. Al
reverso, una inscripción reza en latín la dedicatoria del cliente al amigo que
lo ha de recibir como regalo.
Análisis de composición: Se
aplica la técnica de oleo sobre tabla. El formato se encuentra vertical, donde
la tensión de la vista se centra en la parte superior, cuyas formas son
delimitadas por lo tanto son cerradas, el esquema compositivo es un triángulo
con equilibrio compositivo de peso por tamaño. Tiene simetría axial. En los
planos se ve Dos jóvenes semidesnudas sostienen un libro, en el que lee una de
ellas. Una tercera joven a la derecha, sostiene un laúd en la mano y tiene una
viola a sus pies. Completan la escena tres niños desnudos, el de primer término
con un cisne y un papel de música. Una serpiente enroscada al árbol del fondo completa
esta representación alegórica, de complicada lectura, alusiva a los placeres de
la vida: belleza, música, libros. Su interpretación se esclarece a la vista de
su compañera. Se utiliza colores cálidos y aplica la luz con colores claros.
Pintura: Las edades y la muerte
Análisis Simbólico: De simbología
acorde con la religiosidad del monarca, la tabla nos muestra a las tres edades
del hombre la infancia, juventud y madurez, que no pueden escapar de su destino
inexorable. Como en un macabro paso de baile, dos figuras femeninas, de canon
estilizado, giran sus cabezas y cuerpos dando la espalda a la Muerte; pero
enlazadas por los movimientos de sus brazos, no pueden evitar ser arrastradas
hacia sí por este último personaje, quien sujeta entre sus manos un reloj de
arena y la lanza quebrada de la vida. A sus pies, un niño pequeño duerme
plácidamente, ajeno todavía a su sino.
Análisis de composición: Formato
ubicado verticalmente. La tensión visual se encuentra desde el centro. Tiene
formas definidas por lo tanto son cerradas, con perspectiva. El esquema
compositivo es el triangulo con equilibrio de peso por tamaño. Con simetrías
acial. Las figuras se encuentran en primer y segundo plano. Los colores
utilizados son cálidos
HOLBEIN HANS
Biografía
Hans Holbein el Joven (der Jüngere) (Augsburgo, Alemania en
época de Imperios1497 –
murió en Londres,
entre el 7 de octubre y
el 29 de noviembre de 1543)
fue un artista e impresoralemán que se
enmarca en el estilo llamado Renacimiento nórdico. Es
conocido sobre todo como uno de los maestros del retrato del
siglo XVI. También produjo arte religioso, sátira y propaganda reformista, e
hizo una significativa contribución a la historia del diseño de libro. Diseñó xilografías, vidrieras y
piezas de joyería. Se
le llama "el Joven" para diferenciarlo de su padre, Hans Holbein el
Viejo, un dotado pintor de la escuela gótica
tardía.
Hans Holbein fue el más cosmopolita de los pintores
renacentistas alemanes.
Aprendió pintura en Baviera trabajando en el taller de su
padre, convirtiéndose en el retratista más importante de Alemania. La Reforma
de Lutero empujó a Holbein a emigrar a Londres en 1526. Una carta de
recomendación de Erasmo de Rotterdam le abrió las puertas de la corte de
Inglaterra, donde trabajó como retratista.
Los retratos de Holbein se caracterizan por su realismo
en los detalles, su excelente penetración psicológica y el dominio del color.
Por todo es considerado el mejor retratista alemán de todos los tiempos
OBRAS
LOS EMBAJADORES
Los embajadores —el cuadro se llama en realidad Jean de
Dinteville y Georges de Selve— es una pintura de Hans Holbein el Joven,
actualmente en la NationalGallery de Londres. Es
una de las obras maestras del pintor y de la pintura en general.
Triplemente importante por sus resonancias históricas,
por su riqueza simbólica y por su excelencia plástica, incluye un raro objeto
en primer plano que fue algo misterioso durante mucho tiempo.
Fue en el siglo XX cuando un historiador del
arte, JurgisBaltrusaitis,
descubrió que esta forma que ocupa el primer plano de la pintura es lo que se
llama frecuentemente hueso de sepia, siendo de
hecho una anamorfosis de un
cráneo humano: esta pintura es una vanidad.
EL CRISTO MUERTO
AUTOR: Hans Holbein, el Joven (1497/98 – 1543)
TÍTULO: El cuerpo de Cristo muerto en la tumba
MEDIDAS: 30,5 X 200 cm
TÉCNICA: Óleo sobre tabla
FECHA: 1521
UBICACIÓN: Museo de Bellas Artes de Basilea.
Es una representación de un hombre realmente muerto, del
Cristo abandonado por el padre y sin promesa de la resurrección. Julia
Kristeva, Fragmentos para una historia del cuerpo humano.
Un peculiaridad dentro de esta obra es la mano derecha de
Cristo, es una mano en tensión con fuerza que toca literalmente la sábana como
indicando algo. La mano parece tener vida.
PIETER BRUEGHEL
Biografía
Pieter Brueghel nació en el año de 1525 en Brenda,
Países Bajos y murió el 9 de
septiembre de 1569, Región de Bruselas-Capital, Bélgica.
Llamado “El
Viejo” fue un pintor y grabador brabanzón. Fundador de la dinastía de pintores Brueghel, es considerado uno de los grandes maestros del
siglo XVI, y el más importante pintor holandés de ese siglo; está considerado como una de las cuatro grandes figuras
de la pintura flamenca. Fue aprendiz de PieterCoecke
van Aelst, artista cultivado, decano del gremio de
artistas, a la vez pintor y arquitecto y con cuya hija Mayke terminó casándose.
Prácticamente desconocido en su etapa de formación. Entre 1551 y 1553 viajó por Francia e Italia. En Roma pudo trabajar con el miniaturista Giulio Clovio. Permaneció una temporada en el taller de un maestro siciliano. Algunos de los cuadros que ilustran este viaje son Combate
en el puerto de Nápoles, la escena de La caída de Ícaro y El suicidio de Saúl, así como algunos
dibujos. Entre 1555 y 1563 se estableció en Amberes, donde trabajó para el editor HieronymusCock, haciendo
dibujos preliminares para una serie de grabados. En 1564 nació el primogénito de sus hijos, Pieter Brueghel el Joven.
Obras
PAISAJE CON LA CAIDA DE ÍCARO
-
1554
- 1555
-
Pintura
al óleo sobre lienzo
-
Mide 73.5 × 112
-
Uso
de la Perspectiva
-
Uso
de la difuminación en el color
EL COMBATE ENTRE DON CARNAVALL Y
DOÑA CUARESMA
-
1559
-
Pintura
al óleo sobre Tabla
-
Mide 118 cm × 164 cm
-
Uso
de la Perspectiva
-
Realista
y Natural
-
Uso
de pinceladas particulares que ensalzan
la diagonal
